Au cœur de Montpellier, entre le tumulte de la gare Saint-Roch et la blancheur organique de la place Saint-Ravy, le MO.CO. Hôtel des Collections s'impose comme une institution singulière du paysage culturel héraultais. Créé en 2019, ce centre d’art contemporain occupe l’ancien Hôtel Montcalm, élégant bâtiment du XIXe siècle habilement transformé sous la direction de Philippe Chiambaretta (PCA-STREAM). Fusionnant préservation patrimoniale et écriture contemporaine, la réhabilitation interroge la circulation tout autant que la perception : traverser ces salles c’est à la fois lire l’histoire du lieu et sentir le présent de la création.
Dès que l’on pénètre dans le vaste hall, baigné de lumière naturelle, l’espace s’organise autour de perspectives tendues, de paliers à la fois enveloppants et ouverts, et de rambardes qui évoquent un art de l’hospitalité réinventée. La déambulation se fait fluide, les volumes laissent respirer les œuvres, les matières (béton brut, verre, bois clair) se mettent au service d’une lecture claire de chaque exposition.
L’identité architecturale du MO.CO., d’un abord volontairement sobre, est conçue pour accueillir la pluralité des formes artistiques tout en ménageant de véritables “respirations” perceptibles par chaque visiteur.
Contrairement à la majorité des institutions d’art contemporain en France, le MO.CO. Hôtel des Collections a fait le choix, dès son origine, de bâtir sa programmation sur des expositions monographiques ou thématiques, souvent inédites et généralement issues de collections privées ou publiques du monde entier. Cette ligne curatoriale s’appuie sur une conviction forte : l’exposition n'est pas une simple vitrine, mais une forme d’essai grandeur réelle, un outil heuristique pour observer et penser l’histoire de l’art à partir de corpus resserrés.
Le calendrier d’exposition est volontairement espacé (généralement 2 à 3 expositions principales par an, chacune durant 3 à 4 mois), afin de privilégier la qualité de la scénographie, la médiation, et un véritable temps d’appropriation par les publics.
À l’Hôtel des Collections, la monographie n’est jamais une simple accumulation d’œuvres. Elle se pense comme une scénarisation de la rencontre avec l’artiste, où l’espace impose ses propres règles de jeu : ni “accrochage musée”, ni “white cube” indifférencié, mais quelque chose d’éminemment contextuel et narratif.
Exemple marquant : en 2023, l’exposition “Calder-Picasso” fut conçue tel un dialogue mouvant, où la disposition des mobiles de Calder répondait aux lignes sobres des œuvres de Picasso. L’architecture du site permit alors — par une alternance de salles vastes et de recoins plus intimes — de renouveler l’expérience de la monographie, loin du simple catalogue illustré.
L’un des enjeux récurrents du travail scénographique au MO.CO. réside dans la capacité à adapter les dispositifs d’exposition à la diversité des formats, médiums et intentions artistiques. La variété des espaces (salles longues, cubes, alcôves, zones de hauts plafonds) impose de composer chaque mise en scène selon :
Selon la nature de chaque collection invitée, la scénographie varie du minimalisme le plus dépouillé (soutenant la contemplation) aux dispositifs plus immersifs, parfois interactifs. La souplesse offerte par le bâtiment, pensée dès la réhabilitation, est à ce titre un atout rare.
Au MO.CO., la gestion de la lumière constitue un véritable langage scénographique. Des rideaux occultants, des filtres diaphanes, mais aussi des angles de réflexion soigneusement étudiés participent d’une sorte de dramaturgie du visible. On y passe du plein jour à la semi-obscurité, du filtre mat du verre au grain éclatant des cimaises. Ce parti-pris, constant dans les expositions, vise moins à “mettre en valeur” qu’à encourager la rencontre : voir l’œuvre se révéler au fil du déplacement, la laisser émerger plutôt que l’imposer d’emblée.
La manière dont la matière des supports (murs, socles, podiums) entre en contact avec celle des œuvres ne relève jamais de la neutralité : elle participe de la tactilité du regard. Exemple frappant, lors de l’exposition « La Collection Shchukin » (2021), l’alternance entre bois clair et béton anthracite créait une tension visuelle entre “intimité feutrée” et “présence brute”, renforçant l’identité propre de chaque section.
Le parcours du visiteur est imaginé comme une dramaturgie paisible : la scénographie privilégie l’invitation à errer, à bifurquer, à revenir sur ses pas. On contourne plus qu’on ne traverse, on explore plutôt qu’on consomme. La circulation volontairement non-linéaire encourage la relecture personnelle du corpus exposé.
L’importance accordée à la monographie (ou à la collection privée comme sujet d’étude) impose à la médiation du MO.CO. un rôle stratégique. Les dispositifs d’accompagnement se nourrissent du dialogue permanent entre l’approche documentaire (panneaux explicatifs, chronologies, entretiens filmés avec les artistes et collectionneurs) et l’intuition sensorielle (espaces de regard, dispositifs tactiles, parcours jeunesse, ateliers plastiques).
Le public montpelliérain, composé d’initiés, de familles, d’étudiants mais aussi de visiteurs plus éloignés, trouve ainsi de multiples portes d’entrée. Selon un rapport d’activité du MO.CO. 2022 (source : site officiel), plus de 45 000 visiteurs ont fréquenté l’Hôtel des Collections cette année-là, avec une augmentation continue de la participation aux ateliers et rencontres.
Ce qui frappe au fil des saisons, c’est l’ancrage progressif du MO.CO. comme catalyseur de circulation et de rencontre. Le lieu ne “présente” pas seulement des objets d’art : il oriente le regard selon un rythme spécifique à Montpellier, son histoire, sa lumière. Plusieurs artistes ayant exposé sur place évoquent ce « dialogue avec les volumes disponibles » comme point de bascule décisif dans leur mise en scène : ainsi, lors de l’exposition consacrée à Valentin Carron (été 2022), la scénographie du grand hall fut pensée comme une “place publique”, appelant le visiteur à prendre la mesure d’un art ancré dans la quotidienneté.
On remarque également que la flexibilité de l’espace permet au MO.CO. d’inviter aussi bien des artistes de “grande envergure” que des propositions plus émergentes, notamment dans les cycles d’artistes en résidence et les “hors les murs” organisés autour de Montpellier. Ce dialogue entre collection, monographie et pratique vivante fait la spécificité du site, et résonne jusque dans l’expérience même de sa visite.
| Année | Exposition phare | Collection / Artiste | Particularité scénographique |
|---|---|---|---|
| 2021 | La Collection Shchukin | Collection privée russe | Alternance bois / béton, parcours chronologique inversé |
| 2022 | Valentin Carron | Artiste suisse | Scénographie “place publique”, mobilier urbain détourné |
| 2023 | Calder-Picasso | Dialogue entre deux collections | Jeu de lumières mobiles, alternance monumental / intime |
Le MO.CO. Hôtel des Collections s’est ainsi imposé comme un laboratoire d’expérimentation scénographique aussi bien qu’un lieu de circulation du regard. Loin de cantonner les publics à une position de spectateur passif, il propose — dans chaque exposition monographique ou de collection — une expérience renouvelée qui repose sur l’intelligence des espaces, l’attention portée à l’accrochage, et la complicité discrète entre programmation et architecture.
À travers cette exigence, le MO.CO. rappelle que la réussite d’une exposition dépasse le simple choix des œuvres : elle réside dans l’alchimie subtile entre la spatialité d’un lieu, la pensée d’un commissariat, et la disponibilité du public à se laisser surprendre. Ce parti-pris, encore peu commun dans le paysage institutionnel français, invite à penser la culture non plus seulement comme un rendez-vous avec l’art, mais comme une traversée où le visiteur, l’espace et l’œuvre réécrivent ensemble leur histoire.